Isso acontecia por dois motivos: primeiro porque(com exceção dos autores que coloriam seus próprios trabalhos) quem fazia a cor não precisava ser um artista, era alguém da própria gráfica ou algum técnico que seguia uma guia de cor feita em guache ou ecoline. O segundo motivo é que um colorista recebia muito pouco, por isso ele tinha que fazer mais que dez páginas por dia para que valesse à pena, deixando o resultado final nada inspirado, muito insípido, claramente feito ás pressas e por vezes absurdo.

Originalmente o colorista tinha apenas 63 cores para escolher, mas nos anos 70 essa lista foi expandida para 124. Nos anos 80 apareceu a cor digital, transformando o colorista em um verdadeiro artista com a possibilidade de utilizar milhões de cores.

Era inconcebível a idéia de que a cor poderia ser usada para construir uma narrativa seqüencial, guiar a atenção de um quadro para outro, aumentar a dramaticidade, criar clima, definir emoções, sugerir calor, frio ou até desolação e até mesmo situar flashbacks.

Quando você compara uma revista em quadrinhos feita nos anos 70 e uma revista feita nos dias de hoje, fica clara a diferença que a cor faz e fica claro que com o passar do tempo os artistas e autores tiveram que se ajoelhar ante à uma poderosa ferramenta para contar histórias, a COR.

Hoje a cor nos quadrinhos é considerada tão importante quanto qualquer outra etapa do processo de criação e sem um bom colorista, o apelo e a qualidade de uma revista em quadrinhos pode ser prejudicada.

Existem milhares de exemplos em que um medíocre trabalho de traço sem inspiração, sem dimensão, sem clima e sem atmosfera foi salvo por uma grande colorização. Mas o contrário também pode acontecer e um traço bem trabalhado pode ser arruinado por uma colorização desleixada.

O colorista de quadrinhos deve ter sempre em mente que seu principal objetivo é contar uma história de forma clara e seqüencial e existem muitos conhecimentos que o colorista tem que ter para fazer isso, como criar um clima, fazer a história fluir pelas diferentes cenas e trabalhar com o que o roteirista e desenhista propuseram para a história.

Ser colorista é contar a mesma história que o roteirista e o desenhista estão contando, só que utilizando a cor.

Esse foi o primeiro ano que eu não peguei o FIQ desde o começo e por falta de tempo, fui na sexta e voltei no domingo à tarde, e foi o suficiente para mim, e digo, o suficiente para dizer que foi o melhor FIQ para mim.

Dois dias antes já fiquei sabendo do estrago que a chuva, uma das maiores que BH já teve, causou na quarta –feira e confesso que eu fiquei preocupado, isso poderia estragar todo o festival, mas não foi isso que aconteceu, e ainda deu pra pegar algum sol lá. Muito material caro, álbuns importados e revistas molharam e foram vendidos a 50% de desconto ou jogados fora. Mas mais uma vez foi provado que a força do festival está nos convidados e expositores.

O que mais me impressionou foi a força do pessoal que estava lá, principalmente dos independentes. Pra mim foi o FIQ mais intenso, no sentido de que poderia se sentir à vontade das pessoas participarem e a vontade de divulgar seu trabalho.

Parabéns aos coletivos Quarto Mundo, Quadrinhos Dependentes, Café Nanquim e Casa dos Quadrinhos, entre outros que foram a base sólida desse Festival, base essa que desde o início vem se solidificando e nesse ano mostrou-se coesa.

Eu percebi que um dos motivos para isso ter acontecido foi que (felizmente ou infelizmente) as grandes Editoras e grandes Lojas de Quadrinhos ignoraram o evento. Isso deu a chance de que esses “pequenos” núcleos de artistas crescessem e dominassem o espaço, mas claro que isso não teria acontecido se eles não tivessem muito material de qualidade sendo produzido.

Dentro desse cenário existe uma segunda camada que são os artistas nacionais e estrangeiros que foram convidados, ponto para Ivan da Costa que vem batalhando pra trazer gente muito boa e que traz uma boa divulgação mundial. Todas as edições temos artistas muito bons participando da feira. Por exemplo, gente desconhecida do grande público como os alemães Reinhard Kleist e Jens Harder e os hilários franceses Cizo e Felder e gente bem conhecida como Ben Templesmith (30 dias de Noite), o roteirista Ivan Brandon, os gêmeos Bá e Moon, o desenhista Ed Barrows e Maurício de Souza. Agora, os grandes astros da feira foram sem dúvida Renato Canini, o homenageado e Craig Thompson (Retalhos) que teve a maior fila de autógrafos.

Conversando com Sidney Gusman (UniversoHq) me perguntei sobre qual caminho os produtores do evento deveriam tomar para crescer mais e mais. A base está aí, pronta!

Sim! Existe mercado nacional de quadrinhos! E eles foram a base do evento.

Os artistas estrangeiros e nacionais vão participar, porque eles acreditam no evento.

E a organização está com a faca e o queijo nas mãos, só falta ela dar o passo que vai solidificar o FIQ como um dos melhores festivais de quadrinhos do mundo, pau a pau com os europeus.

Mas houve alguns problemas na minha humilde opinião. Eu tenho que me juntar ao coro que não gostou muito da estrutura física do festival. As tendas não resistiram à chuva e fazia muito, mas muito calor lá dentro. Além disso, o espaço me pareceu bem reduzido em comparação aos anos anteriores o que á primeira vista me causou uma certa estranheza. Outra coisa que não gostei foi que algumas exposições estavam espalhadas pela cidade, por exemplo, a de Bira Dantas (sempre tocando sua gaita). Eu queria muito ter visto, mas infelizmente por falta de tempo e de praticidade, não pude.

Para finalizar quero agradecer à todos amigos que eu encontrei lá e aos novos que fiz. Quando disse que esse foi o melhor FIQ pra mim, me referia também ao network. Isso foi fantástico! Muitos me reconheceram do Papo de Artista, do podcast e dos quadrinhos (graças à camiseta do site que eu fiz). A todos que encontrei lá, meu muito obrigado pelas horas de gravação pro Papo de Artista, às horas de bebedeira e de risadas.

Até o próximo FIQ!

O mercado de quadrinhos americano funciona em um ritmo de indústria e as revistas têm que sair todo mês…Coisa que em um mundo capitalista me garante o sustento. Depois de muito tempo eu percebi que ser colorista é fazer parte de tudo isso sem levar muito crédito e isso é algo que hoje em dia não me incomoda e nem o fato de dormir pouco, não ter final de semana e ser o único a ter que entregar no prazo, tudo isso faz parte do meu trabalho e hoje convivo com isso sem problemas.

Mas o que eu não entendo é a falta de sensibilidade e a falta de noção de trabalho de equipe que alguns artistas tem. A indústria de quadrinhos realmente não pode parar e todos os envolvidos são engrenagens, umas maiores e outras menores, que fazem essa grande máquina funcionar. A questão é que quando uma parte atrasa a próxima vai começar em desvantagem e assim até o final, que sou eu, o colorista. Isto é fato, agora as pessoas podem pensar de duas formas: Ou salvar o próprio rabo e fazer o melhor trabalho possível no tempo que tiver (coisa que alguns podem fazer devido ao estatus) não se importando de como as outras pessoas vão fazer seus trabalhos…Ou a pessoa pode pensar na equipe e pensar que o resultado final é resultado de todo mundo junto e nesse caso ela se preocupa com os artistas que vem depois dele e se preocupa se eles vão poder fazer o melhor para o resultado final.

Sendo mais direto, o que os desenhistas e arte-finalistas têm que entender é que não adianta não querer sacrificar seu precioso desenho ou trabalho porque existe um prazo a ser cumprido e faz muita diferença em colorir uma revista em 10 dias e colorir em 5, além de prejudicar a qualidade da revista isso me prejudica. Mas parece que alguns desenhistas não entendem isso e só enxergam o próprio umbigo e nome.

Lembrem-se todos, se você faz parte de uma equipe, e fazer quadrinhos é um trabalho em equipe, seu trabalho é só um pedaço do resultado final. E é com o resultado final que as pessoas deveriam se preocupar…

Esse quadro faz parte de uma página dupla da revista Teen Titans #65. Desenho de Eddy Barrows.

Mais um speed coloring pro pessoal. Desenhos são de Ivan Reis e Joe Prado.

A cena, assim como a página, se passa de noite, por isso ela está toda entonada com azul. O rosto do personagem é banhado por uma luz azulada vinda da direita e tem uma contra luz vinda da esquerda.
Para fazer a luz e a contra luz eu faço uma seleção e usando o pincel no modo linear light eu vou iluminando a cena, usando azul claro para a luz e tons de laranja e amarelo para a contra luz.

A música de fundo é “Dear Sons and Daughters of Hungry Ghosts” da banda Wolf Parade

Eu acredito que seja a parte mais difícil, pois depende de diversos fatores para ser adquirida além de extrapolar o âmbito do trabalho, sendo parte integrante do que a pessoa é, de como ela vive e como ela viveu até agora. Quando você colore, você imprime um pouco de se sua vivência e das suas experiências, enfim você coloca um pouco de você mesmo em seu trabalho.
Agora vêm à parte que eu digo o porquê de escrever esse texto e eu espero que quem estiver lendo saiba identificar isso e tente mudar um pouco.
O que acontecem muitas com pessoas que estão começando a aprender a colorir agora
É que elas se baseiam apenas no que elas vêem nos quadrinhos ou pior, no que elas acham que estão vendo nos quadrinhos. Sem uma base sólida dos três itens que eu descrevi, fica impossível de aplicar algo que você vê na revista e os resultados são páginas incoerentes com combinações bizarras.

VAMOS ABRIR NOSSAS MENTES PARA ALGO MAIOR, VAMOS OLHAR PARA FORA DA JANELA AO INVÉS DE SÓ OLHAR PARA O QUE OS OUTROS COLORISTAS FAZEM.

Quando vemos só o trabalho de um colorista mais experiente, vemos parte dele lá e quando copiamos apenas, perdemos a chance de exercitarmos nossa própria criatividade, perdendo a chance de colocar parte de nós mesmo no trabalho e assim tornando o progresso mais difícil. Isso é algo que acontece também com desenhistas e roteiristas que estão começando e que por imediatismo ou uma instrução errada se tornam simples copiadores e assim, profissionais limitados.

FREE YOUR MIND

Mas como fazer isso? Simples, saia da frente do computador e olhe pela janela, veja a natureza, veja como as cores reagem na natureza, veja as cores do mundo primeiro pra depois pensar nelas em CMYK. Veja as cores dos animais, das plantas e das pessoas. É importante ter essa visão artística de mundo e levar isso para a página de quadrinhos. A maioria das referencias pode vir da natureza e do mundo em que você vive.
Outra coisa legal é, antes de mexer com o computador, mexer com tinta ou qualquer outro material físico. Isso dá uma noção muito grande de mistura de cores.
Procure referência de pintores clássicos, eles têm muito a ensinar e procure saber mais sobre arte, não só Hqs, isso com certeza vai expandir seus horizontes. Existem diversos cursos nesse sentido.

Eu acho ótimo que existam pessoas que se esforcem para aprender a colorir, que estão correndo atrás de uma chance e que estão mostrando seu trabalho em sites de relacionamentos ou blogs. Elas precisam começar de alguma maneira, mas é necessário, no mínimo, que esse começo não seja equivocado para que mais na frente elas consigam atingir todo seu potencial.